钟志源雕塑作品有感
风的后面是风
——《清风》
风是自然的呼吸；
自然有没有记忆？呼吸有没有记忆？
《清风》是风的记忆。
那一瞬的触动，那一瞬的灵感，雕塑家把自然的呼吸覆盖在了大理石上，你完全可以这样去想象——这就是风吹过大理石留下的痕迹，这就是自然抚慰过心灵留下的印记。你有理由相信，真相就是这样：
风吹过了水面，留下了波纹；
风吹过了衣衫，留下了波纹；
风吹过了感觉，留下了愉悦和舒畅；
更留下了清爽。
《清风》是舒畅的感觉，是拓印在大理石上的清爽的记忆。风，也许是从河岸的苇尖上吹来，也许是从山林的树梢上吹来，也许是从飞鸟的翼羽间飘来，只有令人快乐的清风，吹过少女的身体时，才会有艺术家创作的冲动，去凝固这样美妙的感觉，这一瞬，就是清风的记忆
随风而起，笑看落花
——《风来花自舞》
作为一种空间艺术，雕塑，特别是现代雕塑，抽象意味使得解读作品的难度，日渐增大，带入的因素日渐增多，雕塑与置放的环境关系，也在无声地交流融汇互补着，雕塑本质上，就是视线对于空间的切割，它以形态对空间的占有来形成自己独特的视觉体验，来形成自己的个性风格。
《风来花自舞》的形态，如同曼妙的音乐，在空中挥洒着音符。材质的切割是流畅的，视线可以从任何一个起点去旋转，追随雕塑的形态，去舞动视线，你可能不自觉地发现，自己的目光是在跳舞。
有时候，无法拘泥于雕塑的现实形态，想像与共鸣的空间如此之大，欣赏是不定型的，可能与艺术家心中的原型相拥起舞，也可能随风而起，闲庭信步。既如此，且随心所欲，让感觉舞蹈，不再进入理性的层面去追讨意义的价值，也是欣赏的愉悦之一。
愤怒写就历史的胆略
——《三元里抗英》
雕塑是一种记忆的艺术，记忆不一定就是历史。历史在史籍里，是时间、是过程，是前尘往事对后世的影响，是后世今生对于前朝的解读，是默诵以及悼念。
历史没有瞬间，历史是漫长的过程，所有的人性、情绪、和感叹，都被抽象成规整的文字,如同科学一样拘谨和无趣。
在雕塑家的刀下，历史却可以被还原为形态，历史成为情绪，具有温热，可触可感。三元里抗英，一个中国人众所周知的历史事件，在教科书里，它是中国人反抗帝国主义压迫的民族意识在觉醒。在钟志源的艺术世界里，事件仅仅是一个瞬间，一个漫长的镜头，在艺术家的思绪经过沉淀过滤后，回放时留下的定格，在这样一刻，所抽离出来的，是情绪的顶峰、是民族情感的喷发——那就是愤怒，同仇敌忾的愤怒。这个瞬间，和历史性的瞬间无关，它是艺术的瞬间。半圆形的构图，倾斜的身躯，强烈的不平衡的动态，浪涌一样的人潮，海啸一般的气势，所彰显的是前仆后继、赴死如归的胆略，大面积的人物造型，为突出中心，后面部分的人物，仅仅呈现出半圆雕甚至是浮雕的效果，没有多余的姿态，所有的表情，只在说明一个主题——愤怒，扬眉剑出销的愤怒。
夸张材料：从想象力到表现力
——《戏浪》
百分之一百的优秀艺术是夸张了想象的杰作。
没有想象，作品剩下的就只是枯竭的再现，这样的想象，不仅仅是在艺术构思的各个层面，甚至是需要突破精神的范畴，抵达物质的领域，水乳交融、浑然一体，连雕塑最原始最基本的元素——材料，都需要融入想象的色彩有及份量。
没有对于材料丰富的想象能力，就没有雕塑载体的进步。
在选用材料方面，钟志源的想象力是把材料的特性，直接嫁接进艺术的构思中间，把物质的特性，夸张到一个可以承载艺术表现力的境界，这样的材料，很多的时候，是新鲜的材料，是在古希腊和古罗马的经典雕塑里不能见到的、现代工业的产品和结晶。
《戏浪》最抢眼的，不是前端浪尖上的冲浪者，而是大面积的、由不锈钢管组成的银白，飞流激浪，卷起千堆雪，采用传统的雕塑材料——石、木、泥、铜，都没有办法获得这样夸张的效果。
对于体育运动题材，《戏浪》和《掷铁饼者》绝对不是一个路数，浪是主体？抑或人是主体？在这里，钟志源没有把人放在一个特别显目的位置，体育的动感之美，滑浪的赏心悦目，是通过材料的表现力传达出来的，喷溅出来的。
次要之美
——《芦苇荡》
与《戏浪》相类似，芦苇荡在处理人与环境的关系时，有着自己独特的见解。
人是不是雕塑唯一的主体？
环境，作为雕塑的背景，能否升格为雕塑的主要表现对象？与人的关系辨证起来，互换过来，借助雕塑去着力表现这样一种次要之美。
也许钟志源如此尝试以及挑战自我的时候，一定有过犹豫。如同国画的风景画，人物成为点睛之笔，在《芦苇荡》里，人处在一个引导视线的位置上，感觉中，风从船头的位置迎面扑来，八百里苇荡那种激越的罡风，把刚刚射出苇荡的小船，和快船掠过水面的波纹，连成一条横贯整个画面的主线，芦苇从密集粗线条的钢管，弯曲成疾风的身影，风与水，在芦苇荡里，都不是无形的，风的横，与苇的纵，交织成经纬结构，形成一个巨大的“井”字空间。
不是只有人，才可以构成雕塑，风景之美，依然神奇而富有魅力。
动静的辨证
——《少女与海豚》
传统的雕塑，在欧洲，特别是一些人物雕塑，对于静态的崇拜，到了登峰造极、无以复加的地步，《大卫》、《维纳斯》，都是选取极其静态的造型，把人物模特化，凝固成为完全静止的一瞬，来展示躯体的美，依然是光洁的肌肤、素描一样的骨骼肌肉比例，好像雕塑的色彩，就是和石头、钢铁一样，深沉的灰黑色，情绪里没有欢快和跃动，人物以神为主，以人为辅，自然就难得有什么欢愉的动态。
《少女与海豚》有着雕塑把动态转换为静态的凝固之美，少女修长的双臂、苗条的躯干、挺拔的乳房、娇美的面容、飘扬的秀发，都在一种独特的线条——弧线里，得到了诠释，海豚翻滚的身体是弧线，少女的造型是弧线，弧线在转换动静之间、兼容动静之间，起着绝对重要的作用。
中国水墨的高音C
——《大道》
人物是岭南的，服饰是岭南的，道具是岭南的，场景是岭南的，情绪也是岭南的。像是一曲广东民乐《雨打芭蕉》，那样一种欢快的节奏，在并排小跑的村妇的肩上，咦呀咦呀地，能听到它浓郁的水乡情韵。
这是《大道》，能奔跑着五个人的，就一定不是田埂，更不是羊肠小道，大道的情绪是令人舒畅的。四个形象相近的村妇，挑着担子，头戴斗笠，上身前倾，仿佛是迎着春花烂漫时节的微雨，欢笑着奔跑着，而最末尾的那个小孩，是这四重奏里的最强音，他高举的芭蕉叶，一面完善着构图的平衡，一面，如同打击乐的最强音，敲响了我们习惯四平八稳的神经。
《大道》用的是不锈钢片，材质的反光性，营构出强烈的光线对比的效果，黑白分明，大块的黑白构成的视觉效果，如同是在欣赏一幅中国风格的水墨画，毛笔皴擦出来的效果，非常神似，而不是形似地展示岭南劳动妇女的生活形态，进而是藉此传递精神状态。
现代手法完全可以回顾传统，只是，雕塑的现代要回归水墨的传统，绝对不是一件简单的事情，钟志源用简法，把雕塑与水墨的神韵结合在一起了。
欲望的畅响
——《号》
“从石头和金属里，你听到了什么？”
“石头和金属做成的雕塑是给我们看的，而不是听的。”
“不是吧，在文学里，我们可以有通感，就像朱自清的‘田田的荷叶，如同梵阿铃上奏着的名曲’，在其它的艺术形式里，为什么就不可以有美妙的感觉的互通互联呢？”
“通过想象，倒是可以在脑海里把雕塑的视觉与听觉的审美感触结合起来，那么，关键是你听到的是作者的声音？还是你自己的声音？”
“从接受美学的角度说，重要的还是我作为欣赏者自己听到的声音。”
“什么声音？”
“是欲望的畅响！《喇叭》1号和2号里有着象征着原始崇拜的意象，你可以看作是喇叭，如果换一个名字，它所吹奏出来的就不是优雅的音乐，而是生命结合时酣畅的呐喊。”
“哦呵，这是我们看到的呐喊。”
通感，可以让人领略到雕塑的妙不可言。
那片飞翔的土地
——《湿地》
平时，我们把灵魂寄放在了哪里？
顺便，是不是把激情也寄放在了那里。
在都市的雨季即将来临的一个下午，你偶尔抬头看见的天空，有翅膀飞翔过的痕迹。让你泪流满面地回忆那片精神的圣地，也许努力想望着的事情，和幸福并无关联。
也许因为遥想，才能靠近，因为渴望相遇，才能深深记取。也许没有归期的等待，只是为了看一眼的想望。
想那苍茫的高山，想那蔚蓝的云海，想那少年呼啸的马鞭在鹰的羽毛间炸开的脆响，追随者的目光中，有黑夜的方向，有生命的湿地和荣耀之光。
这是梦想的旅程，朝圣者用坚定的目光，去穿越他们匍匐在大地上的身体，如同贴着地平线飞翔的鹰的剪影。这是高原，是青藏，是帕米尔，你走过，不是遗忘，而是把自己的心灵寄放在了那里，我们——每个人都有他寄放心灵的土地。
也许，这就是鸟类的天堂，湿地是他们寄放灵魂的地方。湿地是他们呵护爱的所在，永远滋润，永远饱满，永远就在眼前，就在前方。
守望的身体是残缺的
——《蓝色探戈》
世界不是只有一个标准去判定真善美的。
也不是只有快速才是美；缓慢释放着耐力，缓慢守候着圆满。
也不是只有高大才是美；低小注解着随意，注解着敬意和俯伏。如同爱的感觉，如同爱的生长。
也不是只有强悍才是美，柔弱寓示着坚韧，寓示着执着，寓示着无边无际的包容与等待。
就像不是只有站立才是坚强一样，你尝试着去握过一个朝圣者的手吗？你站在那里，他却是匍匐在地上，但是，你只能是在仰视他高贵的精神和圣洁的灵魂。你尝试着去爱一种谦恭和宽厚吗，他用静默与期盼与你相约，沉落进血色的黄昏里。
就像不是只有完整才是美丽一样，女人的力量也许不是终于追求完整，完整只是开始，破碎却是结局。此刻，只要是心向往之，她们是心甘情愿的，就这样在追逐梦想的美好里破碎、分解，如同一把燃烧的火把，身体不是躯干的总和，只为燃烧。女人愿意在熊熊的目光中，飘扬起披肩，随着第一声音乐的响起，点燃起自己狂野的激情，舞动起来。
神在眷顾着你吗？
在从懵懂之中惊醒的一霎那之间，危险与你擦肩而过，你忽然明白：神就在你的身边，他护佑着你，不是给你富贵或者美色，只是日常的感动和温暖，只是倾听的慰藉和一生守候的承诺。
这一切，关乎的是你最基本的生命要素——生、死和爱。
命运是神在操纵的，我们有理由相信，一切的美好有赖于上天的奉献、命运的恩赐。
一个带着微笑的梦，就是安全、欣慰、温暖、甜蜜、幸福的全部。
也是爱的全部，也是被上苍眷顾的全部。
孩子的美梦应该是神赐予的吧。
还原立体主义的平面
——《变形女体》
在经历了一次世界大战的悲惨岁月之后，毕加索在1917年访问意大利，在那个时期，他宣称他对于古典世界的新认识，就像中国唐代文人对于“古文运动”的热情一样，他开始注意粗糙笨重而又意味深长的远古雕塑，米开朗基罗、拉斐尔完美的、洁白的大理石女性雕塑，体现的古典主义纤巧细腻的文化，在毕加索看来，是到了改变的时候。
其实，在此之前，我们已经看到了《亚威农的姑娘》、《穿衬衫的妇人》、《女孩和玩具船》、《梦》这样一些展示毕加索狂暴豪情和恣肆天才的作品，毕加索对于艺术创新海啸般的热情，使他在立体主义的大陆上越走越远。
立体主义是采用层层分解的平面造型的手法，把自然物体从结构上分成碎片，再把这些碎片镶嵌展现到一个立体的建筑形体里。由是，我常常在想一个问题——如果把毕加索的画还原成为雕塑，这个雕塑的形态应该是怎么样的？
一眼看到《变形女体》，我想，毕加索的绘画还原成的雕塑，就应该是这个样子的吧。
不苛求形体的比例之美，不传达人体的现实之美，视觉表象是雕塑家面对女人有感而生的情绪的客观叙述。现实的外在轮廓已经不重要了，它与雕塑形象之间的相似性，只是在艺术家的感觉里存在。
我们无从知道此件作品雕塑家的感觉何在？《变形女体》一定带有雕塑家本人的认识经验和情绪体验。因此，欣赏者的路径是，按照毕加索曾说过：“我不是在寻找，而是在发现。”
就去随心发现吧。
醉里挑灯看剑
——《醉剑》
“醉里挑灯看剑，梦回吹角连营，八百里分麾下炙，五十弦翻塞外声，沙场秋点兵。……”
辛弃疾的《破阵子》，读起来，一股豪情，在胸中翻江倒海。
酒与剑，是中华文化的精华，醉与舞，是人生经历难得的体验，是身体的销魂与情绪的沉溺。
剑，没有泡在酒里，是心，浸在了酒里，才有了这样奔放如醉、乍徐还疾、往复奇变、忽纵忽收、如颠如狂的舞蹈。《醉剑》应该是钟志源早期的雕塑，题材偏向写实，雕塑用静态的立体语言，对于动态的连贯性是弱势，《醉剑》定格了那一霎那：舞剑者步走八卦、身若杨柳、剑似龙蛇，形醉神不醉的神态，余下的变幻莫测，只是在你的脑海中用想象去演练，一切的身随剑变、一势多圆和环转无端，都因为这一《醉剑》的起势，开始了眼花缭乱、赏心悦目。
“子路戎服见孔子，仗剑而舞。”剑，是中国士大夫的仪仗。酒，是中国文人的圣典。
女性特征不等于女人的性特征
——浮雕《女人体》
关注女性特征，很多时候，我们是在不自觉地关注女人的性特征。
娇媚的面庞、挺拔的乳房、浑圆的臀部，所有这些最美丽的部分，一律都是女人的性特征，在从古典主义到现代主义的千年流变中，艺术家的目光没有离开过这些明显的女性特征。
如果剥离了这些上帝赐予的美妙的特征，女性本质的、精神的特征是什么？也就是说，假如我们是从背后去观察一个女人，你第一时间想到去概括女人的词语，究竟是什么？
浮雕与背面是《女人体》的两大挑战，蹲踞的姿势，重心偏在一侧，身体呈现出来的不是女性通行的站立的“S”，而是一个平放的“V”，女人的双手摆向一边，可以看出，她在努力地调整着平衡，因为用力，女人背部显现出一条明显的沟壑。这是一个同样性感的女人，她的性感来自于力量，那种柔韧中的张力，那种不可小觑的衡定。不过，与众不同的是，没有通过性的特征去传达。
夏娃的寓言
——《青苹果》
上帝为什么不是先创造夏娃？
女人在等待着生命的点燃与唤醒，有点疲惫，有些羞涩，有些焦渴，有些无奈。对应这种感觉，青铜是最好的材质。
在米开朗其罗的笔下，亚当是舒展着身体，躺在那里，等待着上帝去触碰他的手指，而上帝在天使们的护卫下，迎向亚当，诞生在这里，是慵懒的、典雅的、带着神权的华丽与尊贵的，这是《创世纪》中的生命状态。
而此刻，女人却是卷曲着躯体，头深深地埋进臂弯里，弓形的脊背埋藏着痛苦，伸直的手里拿着象征原罪的苹果，令人不禁联想——苹果是女人的宿敌抑或男人才是？
男权与女权，难道在创世的那一刻起，已经蕴含了不平等？
形态所蕴涵的艺术感染力，再附加上深厚的人文内涵，这就是《青苹果》散发出来的魅力。
仰望精神的高度，再现与表现的分水岭
——《范信德像》
这是一位普通的司机，平实的广东汉子，同事们叫他“德叔”，在广东非典爆发最为严重的时刻，他用自己的行动，实现了一个共产党员“舍己为人、不怕牺牲”的铮铮誓言。
面对转运危险病人的通知，范信德说：“我来送。”
兢兢业业地工作，平平凡凡地生活，这就是范信德一生的真实写照。没有豪言壮语，也没有惊天动地，但是，范信德在抗非典战斗中的突出表现，正是他作为一个医务工作者长期对工作尽职尽责，对病人无私奉献，对医院衷心热爱的积淀。这些，看来平凡，实则伟大。
曾经，在深圳，有一组纪实的雕塑，号称把“雕塑家的作用降到最低点”——也就是零，他们选择普通人，例如打工妹、清洁工和老外作为模特，用尺子去亮度他们的身材，直接倒模一样雕塑。对于范信德这样的普通人，你依然有两个选择，一个是现实的再现，一个是艺术的表现，但是，由于他精神的光辉，与真正的普通人不同，艺术家只能选择后者。（梁凤莲）